È disponibile su tutti i principali store e piattaforme digitali il nuovo disco delle Metamorfosi dal titolo Chrysalis. Edito da Mauna Loa e distribuito da Believe, è il primo lavoro della band scritto in inglese. Un sound maturo, articolato e contaminato, un angolo di Mediterraneo che si affaccia sul panorama internazionale, esplorando i confini della scena indie/rock contemporanea.

“Sfumature di una crisalide che diventa farfalla”, Chrysalis rappresenta il momento di evoluzione, di cambiamento, di metamorfosi per l’appunto che sta coinvolgendo la band nell’ultimo anno. Testi e musiche dalle influenze più disparate che hanno accompagnato la crescita del gruppo in questi anni: dal rock al jazz, fondendo le atmosfere più rarefatte della scena indipendente attuale a quelle sonorità più dense della tradizione rock. Al fianco di chitarra e batteria troviamo colori più sottili riempiti da archi, marimbe e glockenspiel con spazi ampi e riverberati che in alcuni brani incontrano dimensioni più raccolte.

Dalle liriche di Chrysalis traspare la ricerca di se stessi e del proprio posto nel mondo, la volontà di mostrarsi per come si è davvero, senza nessuna maschera, e di manifestare i sentimenti e gli stati d’animo più autentici rifuggendo qualsiasi omologazione e al di fuori di ogni regola; il bisogno di un ritorno ad uno stato primigenio, in comunione con la natura, per entrare in contatto con l’essenza più profonda delle cose.

La band laziale è reduce da un 2015 impegnato e ricco di soddisfazioni. Oltre ad aver aperto i concerti di artisti del calibro di Carmen Consoli e Max Gazzé, vincono il festival LazioWave aprendo il live dei Marlene Kuntz a Frosinone e si aggiudicano come migliori interpreti il premio Ugo Calise Festival ad Ischia (NA).

Lo scorso dicembre pubblicano il videoclip di The Moon is Kiddin’ Me, primo singolo che anticipa l’uscita di Chrysalis. Con oltre 150 concerti in tutta Italia alle spalle (38 solo nel 2015), le Metamorfosi si apprestano ad aprire una nuova stagione live: dopo il release party ufficiale del 27 febbraio nella suggestiva cornice del Museo Del Sottosuolo di Napoli, faranno seguito le prime date a Roma e nelle province di Lazio e Campania. È in progetto un tour che toccherà i migliori club e festival della Penisola e che aprirà le strade verso il resto d’Europa.

Prossimi concerti

27.02.2016 @ Museo Del Sottosuolo, Napoli – Release party ufficiale

5.03.2016 @ La Saletta, Centro delle Arti, Frosinone

12.3.2016 @ Freedom Cafè, Coreno Ausonio (FR)

13.03.2016 @ Jarmusch, Caserta

18.03.2016 @ Terra di Briganti, Castelforte (LT)

20.03.2016 @ Le Mura, Roma

25.03.2016 @ Bar Cicerone, Arpino (FR)

16.04.2016 @ Les Maudits, Valmontone (RM)

Storico concerti – https://db.tt/xIFIR0PW

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Press Media Office

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Ancora più granitici: Monolith, “Overload” è il secondo singolo/videoclip dal debut album “Even More”

Secondo brano estratto dall’esordio della stoner band modenese che annuncia la lavorazione di un nuovo capitolo discografico.

Genere: rock, hard rock, grunge, stoner, acid rock

Release date: 29.02.2016

Overload – https://www.youtube.com/watch?v=TtQiVS-knfk

È disponibile su YouTube Overload, secondo singolo e videoclip estratto da Even More, album di debutto dei Monolith pubblicato lo scorso aprile per l’etichetta emiliana Hazy Music.

Uno stoner/grunge arrabbiato, sporcato da reminiscenze psichedeliche ed echi di musica etnica, caratterizzato da grande attenzione per testi e compattezza del suono.

“Brano e video raccontano una piccola situazione di vita, che vorremmo lasciare celata per renderla di più libera interpretazione, attraverso una metafora” – dichiara la band modenese – “Il tutto è rappresentato dalla sfera argentata che il protagonista del video brama e insegue. C’è un piccolo richiamo musicale”.

Overload è stato girato in un’officina metalmeccanica che è anche il posto di lavoro del cantante Andrea Marzoli: “E’ stato divertente vedere trasformato in un set un ambiente del genere. Le riprese iniziali sono in live audio e si può sentire una citazione musicale a una leggendaria e iconografica band dei 70s.”

Sonorità granitiche quelle dei Monolith, sicuramente influenzate dal movimento grunge dei 90s negli Stati Uniti (Soundgarden, Alice in Chains, Pearl Jam) e da gruppi più moderni come Queens Of The Stone Age e Wolfmother. Tra gli artisti di riferimento in ambito nazionale spiccano senz’altro i Marlene Kuntz mentre per quanto riguarda il british sound, la band si schiera decisamente dalla parte dei Beatles.

Novità interessanti all’orizzonte per la band emiliana: “Chiuderemo un anno di Even More in Aprile e sicuramente inizieremo la stesura di un nuovo disco”.

Suonerà ancora più monolitico? Non resta che aspettare..

Overload Video Credits

Regia: Marco Pattarozzi e Edoardo Giacomelli della Sick Pine Video https://www.facebook.com/sickpine

Bio Nati a Settembre 2013 da un’idea di Andrea Marzoli, chitarra e voce, e Massimiliano Codeluppi, chitarra, che con Riccardo Cocetti, ex batterista del gruppo indie “The Villains”, ed Enrico Busi compongono il quartetto ufficiale. A Marzo 2013 esce il loro primo EP di tre tracce Louder, registrato e mixato al Ghee Studio di Bologna. In seguito proseguiranno tutto il 2014 con un’intensa attività live. In estate vincono il Premio Augusto Daolio 2014. Il 22 Febbraio 2015 sono ospiti al Nomadincotro. Il 4 Aprile 2015 esce il primo Full Lenght ufficiale Even More presentato al Mattatoio Culture Club di Carpi. Registrato e mixato dal produttore e musicista bolognese Marco Bertoni (Motel Connection, Maccaroni Circus), con la collaborazione in fase di arrangiamento di Arcangelo Cavazzuti (Modena City Ramblers) masterizzato da Filippo Cimatti (Bones UK) e prodotto da Hazy Music di Davide Ravera. Proseguiranno il 2015 con un intensa attività live. Il 29 Febbraio 2016 è in uscita il video di Overload, singolo estratto dal primo disco Even More. Attualmente in fase di stesura di una nuova opera.

Contatti

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Frank Lavorino 3396038451

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Boskovic – A Temporary Lapse of Heaven

A Temporary Lapse of Heaven è il primo disco del cantautore vicentino Luca Bonini Boskovic. Artista dalla carriera ventennale passata a suonare in giro per i locali con varie formazioni, tra le quali i Fourback e la John Lennon tribute band. Un amore per il beat e il rock nel quale Boskovic ha sempre cercato di dare spazio alle sue emozioni ed interpretazioni, costruendo così la propria identità. Una formazione durata a lungo che fa di questo album un esordio atipico in cui, oltre ad un’elevata capacita autoriale ed interpretativa, il cantautore mostra una gran voglia di esprimersi.

11 brani che variano tra rock, pop, r’n’b e beat. Sono spesso tracce dalla distribuzione ritmica e armonica complessa, affreschi sonori ripresi dalla tradizione inglese di Beatles, Pink Floyd e Bowie. Piuttosto intuibile che la lingua utilizzata dall’artista non sia il dialetto veneto bensì quella di Sua Maestà Elisabetta II. Bisogna però sottolineare che, seppur interpretati con un giusto accento rock, il più delle volte non riescono ad essere all’altezza della musica. Abbastanza evidente già dalle sue dichiarazioni, come per Boskovic la materia primaria sia quella strumentale: “Per me la musica è il desiderio e il bisogno di elaborare le emozioni personali e tradurle in melodia;”

Da evidenziare pezzi come “Everyday”, che con le sue parti acustiche e orchestrali si avvicina ad un pop-rock alla Oasis, o ancora più british la sinistra “Sun (born and die)”, mentre l’acme è raggiunto dalla finale “You can do it”, ballata che non sfigurerebbe su un disco di Elton John.

B.B (non sono Brigitte)

https://play.spotify.com/album/0lFaTwBnnoVDBFqCb8XNGP

https://soundcloud.com/boskovic-music-926860026/sets/boskovic-a-temporary-lapse-of-heaven

https://www.facebook.com/Boskovicmusic-179436975587011

” The Neigers Ep ” – Garage-Rock a profusione..

A cura di Manuel Polli

Personalmente, tra le mille ramificazioni intraprese dal rock negli ultimi sessant’anni, quella garage è di certo tra le mie preferite. Sarà che mi affascina la sua nascita, ovvero come risposta dell’underground statunitense alle nuove sonorità sbarcate con la British Invasion dei primi ’60, sarà per i suoni, scarnificati rispetto a quelli delle più famose band inglesi ma con una spontaneità d’esecuzione fino a quel tempo mai sentita (tutti suonavano ed il garage era la sala prove), insomma, tutte le volte che parte un buon disco garage me lo ascolto molto volentieri. 

I “The Neigers”, con il loro primo EP omonimo, non fanno di certo eccezione. Cinque tracce in bilico tra le ballate dei Kinks e le sfuriate dei White Stripes per questi tre affiatati ragazzi mantovani che corrispondono a Damiano Negrisoli (chitarra, voce), Andrea Onofrio (batteria, cori) e Giacomo Parisio (basso, cori).

Registrato in presa diretta su nastro e mixato in analogico (non in un garage, quello era pretendere troppo…) il tutto in poco più di tre giorni, “The Neigers” scorre veloce, a tratti isterico, a tratti più scanzonato ma sempre pregno di rock’n’roll dall’inizio alla fine. I richiami proprio del rock d’oltreoceano delle origini sono chiari nell’iniziale “I Want It All”, un boogie indiavolato arricchito dal fervore punk di basso e batteria e dalle sferragliate di chitarra; toni più pacati nella successiva “Monday Morning”, pezzo dall’incedere saltellante con la sezione ritmica sempre puntuale nel regolare la tensione così come il cantato, incazzato quando e come serve. “Mary” è la traccia più pop, con sonorità che si rifanno a certi Strokes ed un ritornello che entra immediatamente in testa, mentre “Stoned By Your Love” si trascina spinta da una psichedelia che ricorda da vicino i primi Stone Roses, con cori sullo sfondo a completare un buon amalgama sonoro. A chiudere “Burn Like A Bomb”, zero psichedelia qui, ritornello esplosivo e via di garage-punk. 

Perché poi è di questo che stiamo parlando, niente paranoie nè virtuosismi, per quelli ci sono altre band. Per un buon album garage ci sono i The Neigers. E vanno benissimo.

https://www.facebook.com/TheNeigers

https://soundcloud.com/The-neigers

http://www.youtube.com/theneigersofficial

Speedliner: Flash è il disco di debutto

A cura di Giorgio Sappilo

Flash come una fotografia, un’istantanea. Se il disco di debutto del quartetto dalle rive del Garda fosse una fotografia sarebbe un’immagine di impatto che arriva subito agli occhi dell’osservatore ma che incuriosisce anche il passante distratto che passa oltre ma poi fa qualche passo indietro per guardarla. Così come la fotografia che lo rispecchia il disco cattura l’attenzione e si fa ascoltare dall’inizio alla fine. All’interno della fotografia curata nei minimi dettagli, alcuni particolari emergono con colori che si distinguono dall’ambrato simil-antico del totale.

Il singolo “Assente” è uno di questi, il pezzo emerge e lo si può quasi toccare. A dare una mano all’efficacia della canzone ci pensa il video sapientemente curato da Massimiliano Diliberto e Tommy Pian di PixelHouse. “Assente” è una fuga frenetica e liberatoria, senza una meta. E’ il bello di una corsa sotto la pioggia. I tratti che emergono dalla fotografia trasmettono una scossa che attiva un flashback. Altri pezzi molto efficaci rendono questo gioco tattile piuttosto coinvolgente. “La mia periferia” critica il sogno della metropoli e l’identificazione della provincia come nostra radice: “la mia periferia non sa cosa è la città”. “Precipitare” è il pezzo d’apertura e rappresenta la sintesi più azzeccata dell’intero stile degli Speedliner: molto coinvolgente, a tratti ballabile, ricco di parti elettroniche che si sposano con il charleston in levare e un ritornello melodico, il tutto senza rinunciare al rock della chitarra. E’ chiara un’ispirazione di tipo elettro-rock in stile Killers, Ark e Bravery delle origini. L’originalità sta nell’utilizzo della lingua italiana interpretata con una voce molto pulita e cantautorale.

In linea di massima i testi hanno una connotazione critica e piuttosto negativa della società, alternano sentimenti di rassegnazione a speranze disilluse. “Chilometri di spiagge” è una doccia adolescenziale che ravviva il disco mentre volge al termine. Una doccia alle 18.30 in Agosto. Ripiglia un sacco. Il synth diversifica il tutto da un risultato indubbiamente già sentito ma non per questo da disprezzare, anzi… La strada piace, la direzione anche, stiamo a vedere se col tempo gli Speedliner ci regaleranno qualcosa di nuovo. Intanto canticchio “Assente”.

Giorgio Sappilo ( http://www.linkedin.com/profile/view?id=231559680 )

https://www.facebook.com/SpeedlinerZak

http://www.reverbnation.com/speedliner

L’avventura sonora dei Bleeding Eyes

by Microbass 

• Band: Bleeding eyes                          

• Album: A Trip to the Closest Universe

Si bussa, con incalzare pesante, e la porta si apre. Si passa dalla luce al buio, dal bianco al nero, dall’acqua cristallina al fango melmoso. Ma il biglietto per un Viaggio nell’Universo Più Vicino è ancora valido, e ci accorgiamo che non scade mai … . E’ sufficiente premere il tasto play ed altri trentatrè minuti di musica sono pronti per una nuova avventura sonora che scorre veloce tra shifts ispirati, walls di contaminazioni e falls di stili sludge, metal & stoner. E in tutto questo, inaspettatamente, ci si ritrova a riflettere anche con momenti musicali maggiormente intimistici ed eterei al tempo stesso.

Il metallo nel fango, in queste sei composizioni, viene generalmente ricordato con le citazioni musicali dei Melvins e dei Black Flag: la densa sonorità liquida scaturisce, ora, dalle note “disturbanti”, normalmente poco accessibili e difficilmente commerciabili.

Le partenze dei brani, quasi sempre in quarta, travolgono il driver del Viaggio con la loro potenza e violenza sonora, senza indugiare troppo sui giri armonici e vanno sempre veloci verso il traguardo. Non indulgono facilmente né ai ripensamenti ritmici, né alle costruzioni architettoniche dei riffs solistici : sono mirati e calibrati per raggiungere, in un modo o l’altro, l’occasione naturale di far “muovere la testa”. In tutti i sensi.

I ritmi cadenzati, a volte volutamente lenti, ed estremamente pesanti si uniscono, quasi come dei compagni di Viaggio, alla rabbia urlata dalla voce e tirata a lucido dagli strumenti che condividono incessantemente le tetre atmosfere sonore : la lezione sulle tematiche e visioni musicali dei Black Sabbath ( e ne sono trascorsi di anni … ) non è stata solo bene assimilata dai Bleeding Eyes, ma trasformata in una spirale senza fine in perenne movimento. Come un moto perpetuo.

La chitarra distorta, il basso pesante, il feedback della batteria fortemente coinvolta nelle ritmiche tipiche del genere musicale, tendono a miscelarsi con i rallentamenti effettivamente caratteristici dello sludge. Se a questa scena aggiungiamo anche la voce gridata ed i testi che sviluppano temi dai colori aggressivi e critici con una giusta dose di cinismo, ci si accorge che gli “occhi sanguinolenti” vedono comunque bene, soprattutto nell’ombra e nel buio. Le cellule della retina, anche se enormemente devastate dall’emorragia, sono ancora capaci di guidarci nel tour più bello della nostra vita : a Trip to the Closest Universe.

Le note dell’inizio tagliente che viene da lontano di “Cruel World” ci promettono, appunto, questo.Buon ascolto. Microbass

Hollywood Noise – “More Than Your Mouth Can Swallow II”

Hollywood Noise

Era una giornata abbastanza merdosa, nulla di particolarmente drammatico, ma davvero noiosa e inconcludente. Dopo un’oretta di meritato riposo con le cuffie nelle orecchie e un buon libro in mano, mi sono prontamente messo al computer con l’intento di trovare delle buone tablature per Sturstruck dei Rainbow. Durante la ricerca mi sono imbattuto in qualcosa di stupefacente quanto scioccante, di tanto inaspettato quanto gradito; si sono palesate nelle mie stanche orecchie le calde, accoglienti e dure note degli Hollywood Noise. Questi ragazzi torinesi hanno fatto una cosa che a mio parere, sebbene la diffusione del genere tra le band underground dica il contrario, è molto difficile, per non dire quasi proibitiva: hanno preso l’Hard Rock e l’hanno fatto loro, gli hanno dato un proprio stile. Questo genere è certamente stato generatore di band che resteranno sempre nella storia della musica mondiale: AC/DC e Guns N’ Roses per citarne solo due, elencare tutte quelle degne di nota sarebbe alquanto prolisso (ci tengo solo a puntualizzare che la mancata citazione dei Led Zeppelin è dovuta al fatto che definirli solo Hard Rock, sarebbe alquanto riduttivo); genere che però nel corso degli anni è stato spremuto molto intensamente ed ha progressivamente perso l’antica egemonia, fino ad arrivare a oggi, dove abbiamo davvero pochi nuovi gruppi di livello rispetto agli anni ’70 (per non dire che non ne abbiamo).  Proprio in questo si rivela l’abilità Noise: nell’aver affrontato un genere tanto bello, ma che ti pone sempre e comunque a confronto con band enormi, e aver retto la botta alla perfezione, senza nemmeno perdere l’equilibrio. Partirei dicendo che il loro sound non ha nulla di nuovo, come avevo già detto, l’Hard Rock ha partorito quasi tutto ciò che poteva. L’asso nella manica che rende grandi i nostri amici da Torino è stato l’essere riusciti a creare qualcosa di mai visto con quello che già c’era. Per usare una metafora: gli Hollywood Noise sono un “Frankenstein” della musica Hard, ma non un mostro privo di senno, un’entità precisa, delineata e, soprattutto, bella. Molto anche, a mio parere.  Il loro stile è quello dell’Hard Rock più classico: ritmiche di chitarra che ricordano quelle di AC/DC, parti soliste che passano da accompagnamenti alla Aerosmith ad assoli alla Slash/Angus Young. La base ritmica prende spunto, a parer mio, da quella dei Def Leppard; il che porta un’impronta Glam/Hair al loro sound, che fa un leggero occhiolino ai Kiss del periodo da me più amato. Le chitarre a mio parere sono studiate in maniera veramente efficace, s’incarnano perfettamente nel genere senza sparire nella massa, com’è facile che accada. Dai video anche l’equipaggiamento è quello classico: Gibson Les Paul (di cui fa uso anche il sottoscritto) e Marshall (che c’è di meglio?) e loro lo sfruttano come dovrebbe essere sfruttato, cioè con melodie meravigliosamente calde e studiate, sfruttandone la qualità, e facendo un rumore d’altri tempi, sfruttandone la quantità. Altro particolare che non mi ha lasciato per nulla indifferente è la voce: l’apporto del vocalist è grandioso, personalmente mi ricorda per certi versi Steven Tyler e per altri Bon Scott. Il che non mi sembra un’investitura secondaria visto che si sta parlando delle voci di due delle più grandi Rock Band di sempre e, come se non bastasse, questi due signori risultano rispettivamente terzo e quinto nella classifica dei migliori vocalist Rock stilata dalla rivista Hit Parade nel 2006. Quindi, Matthew, hai il diritto di sentirti lusingato. “More Than Your Mouth Can Swallow II” è il figlio del quasi omonimo EP (privo solamente del numero) con cui gli Hollywood sono debuttati. È un album di pregevolissima fattura, molto piacevole all’ascolto, pieno di elettricità e potenza, ma allo stesso tempo di grazia e dolcezza. I pezzi sono tutti riusciti, ma alcuni spiccano tra gli altri che si mantengono tutti allo stesso (alto) livello; la mia preferita è Shame On You, quell’intro di armonica a bocca e chitarra che tanto ricorda Crazy degli Aerosmith mi ha fatto veramente impazzire, ma anche Rip It Off ha suscitato in me sensazioni che tanto ricordano le corde mosse nel mio cuore da un certo gruppo di australiani la cui fama non si può considerare limitata. Questi due brani, tra venti album, appariranno certamente in un corposo Greatest Hits che sarà venduto in ogni negozio di CD (se ancora ne esisteranno) come simbolo dell’immortalità della musica Rock. Ragazzi, avete resuscitato in me l’Hard Rock! E avete guadagnato un fan. Quindi, se passate nel milanese, fatemi un fischio e accorrerò volentieri.                                                                  By Andrea Galuzzi

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Le Forbici Di Atropo – “Gusfraba”

Le Forbici di Atropo

By Serena Agneletti

Sono originari della Magna Grecia e con un nome così non potrebbe essere altrimenti: Le Forbici di Atropo è una band rockettara tarantina che fonde il rock alternativo al rock’n’roll californiano fino ad arrivare ad accenni quasi folk (ascoltate l’attacco di “Di Nostalgia Si Può Morire” per credere). L’ultimo lavoro, Gusfraba, concentra in dieci tracce un alto tasso di rabbia e indignazione verso la civiltà contemporanea, con particolare attenzione alla decadenza tipicamente italiana: si comincia con un bersaglio facile, la Chiesa (Mi è sembrato che il mio 8 per mille / Fosse calzato da Sua Santità), si prosegue con la classe politica (Voi corrotti e sporchi parassiti / Voi vecchi bavosi e pervertiti / Voi, le meretrici di partito), le tante starlette che immolano la propria avvenenza per raggiungere una celebrità immediata quanto effimera (E chissà com’è fiero di te tuo papà / Che non vede, non sa cosa fai / Per permetterti sempre quel Tiffany al polso) ed i raccomandati d’onore nascosti tra le file dei servitori della patria (Finanza, vigili, carabinieri, polizia, ce n’è per tutti); a chiudere la vergognosa parabola l’inquietante profilo dei giovani uomini d’oggi, riassunti emblematicamente nell’archetipo del tronista: sgrammaticato, maniacalmente curato nell’aspetto, interessato solo al calcio e alla bella vita fatta di happy hour e sballo in discoteca; non a caso alla fine del brano – sarcasticamente intitolato “Se sarei come te” – si sente un estratto tv che termina con la voce di Maria de Filippi. E non è l’unico: fanno da prologo ad alcune canzoni stralci di film e dialoghi surreali strappati alla tv spazzatura, che dalle emittenti private rimbalza sui nuovi media dove viene sbeffeggiata e fatta dilagare un po’ ovunque, con il risultato che, pur prendendone le distanze sul piano ideologico, concretamente si sta al gioco e se ne parla.Per molti versi un concept-album, quindi, che sulla denuncia trova fondamento ed ispirazione; non mancano comunque pezzi più introspettivi, verbosi, poetici nella scelta dei temi trattati e delle parole attraverso le quali esprimerli: in “Danza di demoni” è il manico a sei corde della chitarra (Che compare a metà brano con un assolo tagliente) che permette all’io di non sprofondare tra le ombre e le realtà inconfessabili che lo attanagliano; in “Di nostalgia si può morire” e “Brass” al centro c’è l’amore, da cui ci si vuole allontanare o al quale si fa ritorno pur essendo fonte di infelicità; nella struggente “Il disagio dell’invisibile” sono gli emarginati a trovare voce e spazio per essere narrati mentre in “Sfiorirai” la paura della fine si affrontata vivendo, permettendo ai fantasmi di un tempo di allontanarsi e smettere di pungolare l’anima vestendo i panni del perdono. Un album in cui tanti processi catartici s’intersecano senza fornire risposte ma trovando nell’espressione musicale una prima risoluzione, immediata e liberatoria. Chissà cosa verrà dopo, probabilmente Niccolai, Marra e soci non lo sanno ancora: sta alla parca Atropo, figura della mitologia greca ritenuta responsabile del destino dei mortali (Da qui il nome del gruppo), decidere dove e come tagliare. Quel che è certo è che il filo narrativo dipanato finora suona davvero bene.

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Preti Pedofili: universo sonoro perfettamente compiuto e di fascino assoluto

Preti Pedofili – Foggia

Ogni settimana “Studeni in erba” cercherà di portarvi quanto di più insolito, burbero, fascinoso e intrigante  c’è nell’ infinita costellazione underground italiana. Musica, poesia, arte che sia.

by Giuseppe Iacobaci

Lo ammetto, mi sono accostato ai Preti Pedofili con un briciolo di ironico distacco. Mi aspettavo i classici ragazzini ‘contro’ desiderosi di far colpo con qualche slogan e un po’ di quel sarcasmo facilone e vagamente cerebroleso che va tanto di moda sui social network.

È stato bello scoprire di avere così vergognosamente torto. Quello che mi sono trovato davanti è un universo sonoro perfettamente compiuto e di fascino assoluto, privo di quell’ironia postmoderna che odio in tanta fuffa che circola. ‘Faust’ è un album (non un ep) fatto di atmosfere fosche e chitarre taglienti, testi cupissimi e poetici -nel senso più semplice e meno pretenzioso del te. Magari non saranno d’accordo con queste etichettine, i giovanissimi foggiani, ma ho trovato la lezione della migliore new wave nascosta fra questi solchi, senza peraltro le pose inutili da Bohémien Cum Mastercard di certi fighettini in minore (e cerone) resuscitati dagli anni ottanta e virati seppia alla buona occasione. E poi, grazie a dio, del salvifico graditissimo punk (la sporcizia generale dell’approccio), del noise (per certi impasti chitarristici) e persino il migliore metal  tecnicismi, sempre dominantissimi e funzionali al progetto, frutto di sapienza e mai di mero esibizionismo; ma quanti anni hanno questi vecchi saggi?): influssi tutti perfettamente attualizzati, su ritmiche spietate, a venare l’intero album di una claustrofobica rabbiosa disperazione priva di vie d’uscita. Come un satanismo pagano, privo di contro rituali, senza appigli, numerologie o (contro) misticismi. Più ira esistenziale che cieca bestemmia contro chissà quale divinità non pervenuta. Una formula nera e “malvagia” quindi, ma gestita con raro pragmatismo meccanicistico per raccontare le miserie della condizione umana. E c’è quindi, soprattutto, vero pathos, fatto di parole concrete ed evocative, vera e vissuta scrittura, a distinguere queste canzoni dalle trappole della banalità, degli incasellamenti e dei generi di riferimento; a parte qualche eccesso nella seconda parte dell’album, il lessico dei testi è gradevolmente misurato e concreto, ben dosato, e la scrittura in genere non suona mai forzata, sempre perfettamente in linea con le intenzioni del brano, cosa quanto mai rara. Il tutto è ben confezionato in un concept faustiano che tiene alta la tensione fra un brano e l’altro e quadra il cerchio, restituendo alla sigla della band l’onore di un significato ben più profondo di quello mal percepito inizialmente: il racconto dell’innocenza violata dal potere. I trenta minuti, a dispetto di quanto detto, scorrono lisci e gradevolissimi, vari e dinamici, senza annoiare un solo istante. Un album da lodare soprattutto per la capacità e il coraggio di veicolare significati nel contesto musicale beota e puttanesco del qui e dell’ora. Personalmente ritengo che sia l’unica strada percorribile, perché non ha senso creare inutilità; ma pare che siamo rimasti in pochissimi a pensarla così. E allora, facciamo un inchino grato a questa giovane band foggiana dalle grandi speranze. Preti Pedofili

Scriveteci per consigliarci: band insolite, artisti stravaganti o per qualsiasi suggerimento o consiglio su antipop.project@gmail.com  –

Le band più interessanti saranno contattate direttamente dallo staff di Studenti in Erba

i Redwest, consolidata band milanese, suonano “Spaghetti-Western-Metal”: ascoltiamoli nel loro “Play Your Hand”

I RedWest sono una consolidata band milanese giunta ormai al loro secondo disco “Play Your Hand”. Il genere di questi kids, definibile come “Spaghetti Western Metal”, rende il loro lavoro  degno di un’ attento ascolto dal momento che rivela un idea  di base particolarmente interessante. A primo acchitto, le sonorità di alcuni pezzi mi ricordano quelle dei Ramones mentre per altri versi e ,su tutt’altri lidi,  si possono apprezzare accenni ai Manowar e riecheggiamentideii vari  Iron Maiden, Skyclad e anche direi verso  il progetto Haggard. Unica nota dolente di un disco ben congeniato sono alcuni cori femminili che in alcuni pezzi come in “Johnny Walkers Farm ” (track nella quale potrete apprezzare oltre al video le citazioni musicali ai Ramones) smorzano e drammatizzano  in maniera un pò inopportuna , a avviso, il climax generale del lavoro della band. C’e’ un ‘ atmosfera resa spesso gustosa dal frontman: le parti di voce  più sporca risultano le migliori e le più espressive del disco e spesso ci fanno sfiorare  quell’ aria viziata e fumosa tipica del più ignobile dei  Saloon californiani! I pezzi con voce più clean sono  altrettanto espressivi , mantenendo sempre o uno stile tipicamente country farm ; a completare l’ originale cornice troviamo dei  versi animaleschi di fauna ea parti di armoniche . Sul sito della band potrete ascoltare la preview del disco e sulla loro pagina Facebook  potrete rimanere sempre aggiornati sulle loro date e dare un occhiata del robusto impatto live dei Red West. Complessivamente  “Play Your Hand ” è un buon disco che riesce  proprio grazie alla sua semplicità originale  e bellezza intrinseca; non solo, accontenta più generi ben fondendoli insieme!   by Orion

http://www.redwest.eu/                                          https://www.facebook.com/redwestband 

“Una vallata di pietre spaccate dal sole; un silenzio assordante interrotto soltanto dal lento incedere di stivali  usurati sulla terra.  E la prima proviene da un mestolo di metallo che raschia dal fondo gli ultimi fagioli rimasti.  Prima del grande colpo.  Sei cowboy poco raccomandabili decidono di salire sullo stesso treno e di fermarsi ogni qualvolta il cuore lo deciderà. Accomunati da un unico obiettivo: incendiare un nuovo palco e farvi godere lo spettacolo. La barba è incolta, il ghigno è fiero, il distorsore è rovente. Ed è così che lo Spaghetti-Western più sanguigno incontra l’epicità del Metal. Se avete sempre sognato di cavalcare sulle note di Morricone, se il country vi fa saltare le gambe come se foste sotto una pioggia di proiettili, se nell’udire un riff granitico non avete mai resistito alla tentazione di scuotere la testa su e giù, ecco ciò che avete sempre cercato. E che finora mancava.” Redwest- Spaghetti Western Metal.  Dal 2009 in Italia.